composición musical@JT

Javier Torres y la composición musical  2

Extracto de las entrevistas a Javier Torres, sobre el seminario «Laberintos Sonoros» y Mozart.

La estructura de la música copia

Labirinti Sonori” es un ciclo de seminarios internacionales dedicado a explorar la relación entre la composición musical y las nuevas tecnologías. Se trata de un proyecto internacional que nace de la colaboración entre el conservatorio, la casa de la Música y la casa del  Suono de Parma . Su programación incluye conferencias, clases magistrales, seminarios y actividades pedagógicas en las que participan diferentes expertos y docentes nacionales e internacionales invitados en buena parte gracias al programa Erasmus, a través del cual nuestra institución promueve una intensa actividad de intercambios académicos internacionales entre docentes y alumnos. Las actividades, si bien tienen un carácter de alto perfil académico, no se limitan sin embargo al público de nuestra institución ya que algunas de ellas son públicas. Todas las actividades se ofrecen de manera gratuita.

 

Para mí la música es una sola, esto quiere decir que no considero que existan grandes diferencias entre el espíritu esencial de obras significativas de diferentes épocas. De la misma manera creo que la composición que hace uso de nuevas tecnologías (incluida la composición acusmática) no es una disciplina separada de la composición misma – o no debería de serlo-, porque las tecnologías son un medio de expresión más, aún con todas sus características y necesidades específicas.

 

Ahora bien, estudios tan rigurosos me habían dado una técnica y un conocimiento excelentes de la música de los siglos pasados, pero una parte de mi formación estaba incompleta pues nunca había tenido contacto directo con la vanguardia musical que me interesaba. Algunas partituras de los autores que mencionaba pude estudiarlas por mi cuenta pero no era suficiente. De hecho considero que la crisis que viví poco antes de conocer a Donatoni, la cual  me llevó a cuestionar lo que hacía como poco personal y, por tanto, casi a abandonar la música misma,  se debió precisamente a una fuerte autocrítica para la que no podía ser suficiente la habilidad de imitar modelos de la música que entonces conocía. Además, estudios tan rigurosos crean una conciencia sobre lo que representa el peso de la tradición: éste no habría podido no hacerme vacilar antes de tratar de emprender un camino más personal.

 

Pienso que  la transmisión de la música tiene lugar principalmente a través de una especie de tradición oral, que pasa de generación en generación, los mejores profesores generalmente son personas que ejercen plenamente la profesión que enseñan; con toda probabilidad han estudiado a su vez con grandes músicos. En algunos casos de compositores jóvenes -y a veces no tan jóvenes- percibo a menudo la falta de conocimiento del contrapunto y de la música de la gran tradición musical occidental, tendencia que disminuye notablemente según el profesor con el que han estudiado.

 

 

Creo que la manera de pensar y percibir la música que deriva del estudio del contrapunto es muy importante para un joven compositor, dicho estudio forja el pensamiento musical de una manera particularmente rigurosa y autocrítica. Por otro lado, el conocimiento de la música actual y de la música del pasado aportan no solamente modelos que pueden constituir un ideal o un bagaje cultural y técnico importante, sino sobre todo una conciencia histórica real. El balance entre estos aspectos de la formación puede ser significativamente de ayuda para no caer en un academicismo imitativo o en un diletantismo inconsciente.

 

¿Qué tipo de aspectos extramusicales te interesan, a la hora de componer, de manera preponderante?

  1. T.-Creo que las bellas ideas necesitan de tiempo y por ello no me es posible escribir demasiada música en un año. Considero también que en el momento de componer lo que más me interesa es la música en sí, pero no niego tampoco que depende mucho de la obra y del contexto para el cuál es creada, o inclusive de la realidad que nos circunda.

 

Creo que desde el punto de vista de la imaginación sonora una idea transcontextual adquiere un carácter de verdadero señal formal en la estructura musical y dramática: la cita sonora imaginaria. Este concepto, implícito de manera descriptiva o concebido a partir de la “messa in musica” del libreto, extiende sus raíces a ciertos momentos de la legendaria novela de Juan Rulfo “Pedro Páramo”, en los que se hace alusión a sonidos concretos, paisajes sonoros y  “voces inmateriales” (traducidos en personajes invisibles, que flotan en el espacio).

El entrelazamiento de imágenes sonoras concretas y fantásticas hace que los niveles del tejido musical incluyan soluciones que influyen en el tipo de vocalidad que caracteriza a los personajes del drama musical, los cuales desenvuelven su acción integrándola en un continuo que va no solamente del drama musical a la música pura, sino también de los objetos sonoros “reales” (concretos) a la abstracción más pura de una figura musical. . Es muy importante proponer nuevos espectáculos y formas de escucharla, sin olvidar que el concierto sigue siendo una de las más maravillosas para hacerlo.

 

Que las armas de fuego que empuñan niñas, niños, hombres y mujeres en los diferentes continentes de nuestro planeta se transformen en instrumentos musicales con los que aprendan a hacer música juntos

 

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¿Qué es Mozart, qué es su música? ¿Por qué es importante que se acerquen a él? Más allá de las valoraciones y categorizaciones, porque se trata del músico que más elocuentemente ha hablado de lo que es el ser humano, el hombre, que mejor ha retratado lo mejor que tenemos como individuos. Y porque probablemente ningún otro artista ha colocado no sólo al hombre como género, como especie, sino sobre todo a la mujer, en un sitio de honor, de absoluta reverencia. Su música, especialmente la de madurez, escrita más o menos en los últimos diez años de su vida, es un ejemplo no sólo de genio (que por sí solo bastaría), sino de humanidad Mi experiencia como melómano me impide hablar desde el aspecto técnico, desde la descripción mecánica de relaciones matemáticas entre notas, timbres, melodías, cambios de tonalidad, porque todo ello, por mucho que explique porqué su música nos sacude, me sacude en la forma que lo hace, resulta insuficiente. La música de este genio es más, mucho más que la suma de sus componentes

 

Cada vez que uno se acerca a una obra suya, es imposible no sentirse golpeado con esa fuerza incontenible que nada puede definir, más que su nombre mismo. Para que ustedes, mis queridos cero lectores, se aproximen a Mozart, deben hacerlo no con la idea de que van a escuchar música clásica, o música culta, o sinfónica, o como quieran llamarla, sino con la idea de que se van a asomar a los aspectos más hondos del ser humano, con mucha mayor soltura y naturalidad de lo que lo haría, por ejemplo, Shakespeare, quizá el único otro artista (no es cierto, también Dostoievsky lo hizo) que se ha asomado a las profundidades del alma humana, aunque su perspectiva (como la de Dostoievsky) sea radicalmente distinta. Confieso que Mozart me hace llorar de emoción, es capaz de conmoverme como probablemente nadie más. Por ejemplo, eladagio de su Concierto para piano en La mayor, # 23, K. 488, es una de las melodías más conmovedoras y hermosas que jamás hayan sido escritas. Al menos a mí, me deja temblando, como lo hace justamente ahora que lo escucho mientras escribo este pasaje… y me detengo para escucharlo arrobado… Lo que hace Mozart con esas pocas notas casi desnudas, en absoluta soledad sonora (que por momentos me recuerda esas apabullantes notas solitarias de Der Leiermann de Schubert al final de su Winterreise[en otra ocasión les hableré de esta prodigiosa obra maestra]), resulta verdaderamente apabullante

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